Самые дорогие художники в мире. Топ аукционных результатов. Владимир Арт 16 ноября 2017

Самые дорогие художники в мире. Топ аукционных результатовARTinvestment.RU 16 ноября 2017_5e65644fef6ec.jpeg

Рейтинг самый дорогих художников в мире возглавляет Леонардо Да Винчи, а завершает Поль Сезанн. Разница в цене между первой и последней позициями рейтинга топ-24 — 389,8 миллиона долларов

Рейтинг составлен на основании открытых аукционных результатов. За основу его взяты результаты с учетом премии покупателя (Buyers Premium), выраженные в долларах (цифры, показанные на европейских аукционах, т. е. в фунтах или евро, конвертированы в доллары по курсу на день торгов).

1. $450,3 млн. Леонардо да Винчи. Спаситель мира. Около 1500

Вероятно, в следующий раз мы будем править эту строчку очень нескоро. $450 312 500 — это рекорд даже не на годы, а скорее всего на все будущее десятилетие.

Мало того, по слухам, текущий рекорд в сфере частных продаж — $300 млн за картину Поля Гогена), поэтому «Спаситель мира» Леонардо Да Винчи — самая дорогая живопись в мире не в каком-то отдельном сегмента арт-рынка, а в абсолютном смысле.

Удивительно, но историческая продажа состоялась в условиях далеко не идеального информационно фона. Во-первых, в отношении атрибуции данной работы среди экспертов не было полного единодушия. Но многие специалисты согласились с доводами, что это именно Леонардо, а не его ученик Джованни Больтраффио (Giovanni Boltraffio), и этого «широкого консенсуса» для Christie’s и покупателя оказалось вполне достаточно. Во-вторых, обстоятельства обретения этой вещи были похожи на сказку: в 1958 ее купили на Sotheby’s за 45 фунтов как вещь ученика Леонардо, потом, уже в 2000-х, купили на аукционе примерно за $10 000, потом продали дилеру Иву Бувье за $80 000 000, а тот уже перепродал «Спасителя мира» миллиардеру Дмитрию Рыболовлеву вроде бы за $127 500 000. И это — в-третьих. Продажа состоялась на фоне многомесячной тяжбы между Рыболовлевым и Бувье. Миллиардер обвиняет дилера, что тот был с ним не до конца честен и продавал ему картины втридорога. Леонардо стал редким исключением в череде неудачных (с финансовой точки зрения) покупок. Но зато каким!

Аукционный дом Christie’s провел большую работу для популяризации своего главного в новейшей истории лота. «Спасителя мира» успели посмотреть десятки тысяч зрителей. Среди них был и актер Леонардо ди Каприо. По семейной легенде, он был назван именно в честь художника, а скоро сыграет самого мастера в биографической ленте. В 2017 году кинокомпания Paramount приобрела права на экранизацию книги Уолтера Айзексона «Леонардо да Винчи». Высокий интерес к Леонардо в последние годы и будущий фильм о нем, да еще с Ди Каприо, конечно, нельзя рассматривать в числе приоритетных объяснений феноменальной аукционной цены, но как сопутствующий фактор — вполне.

2. $179,4 млн. Пабло Пикассо. Алжирские женщины (версия «О»). 1955

Пабло Пикассо (1881–1973) — основоположник кубизма, выдающийся живописец, график, скульптор и керамист, оказавший сильнейшее влияние на развитие всего искусства ХХ века.

11 мая 2015 года за полотно «Алжирские женщины (версия “О”)» 1955 года было заплачено $179,4 млн (с учетом комиссии).

Хрестоматийное полотно «Алжирские женщины (версия “О”)» относится к серии полотен, написанных Пабло Пикассо с декабря 1954 года по февраль 1955-го по мотивам знаменитого одноименного полотна Эжена Делакруа. «Алжирские женщины» Делакруа, принадлежащие собранию Лувра, в свое время произвели на Пикассо очень сильное впечатление, он неоднократно говорил о том, что хочет написать свою версию. А еще эта серия была посвящена памяти друга и соперника по художественному цеху Анри Матисса, ушедшего из жизни в ноябре 1954-го. Как говорил Пикассо, «когда Матисс умер, он оставил своих одалисок мне в наследство». Все работы Пикассо в этой серии пронумерованы буквами латинского алфавита от «А» до «О». Таким образом, картина, проданная за рекордную цену, является последней, пятнадцатой в серии.

Работа Пикассо «Алжирские женщины (версия “О”)» происходит из коллекции Виктора и Салли Ганц (Victor and Sally Ganz). Эта семейная пара из Нью-Йорка, несмотря на скромный достаток, сумела за пятьдесят лет создать коллекцию, которая на аукционе в 1997 году принесла $206,5 млн. При этом на покупку всех этих работ супруги Ганц потратили суммарно около $2 млн. Одним из первых в их коллекции появился портрет Мари-Терез Вальтер кисти Пикассо (знаменитая картина «Сон»): в 1941 году Виктор Ганц купил ее за $7 000, а в 1997-м продал за $48,4 млн. А что касается работы «Алжирские женщины (версия “О”)», то ее предварительная оценка на аукционе 1997 года составляла $10–12 млн, а цена молотка достигла $31,9 млн. Почти двадцать лет спустя результат «Алжирских женщин» в 5,6 раза превысил результат 1997 года.

3. $170,4 млн. Амедео Модильяни. Лежащая обнаженная. 1917–1918

На тематическом аукционе Christie's «Муза художника», который состоялся 9 ноября 2015 года в Нью-Йорке, картина Амедео Модильяни «Лежащая обнаженная» (1917–1918) была продана за рекордные $170,405 млн. Оценивался лот в районе $100 млн (точный эстимейт не разглашался). Этот результат поднял рекордную цифру для произведений Модильяни на целых $100 млн: до 9 ноября самой дорогой работой Модильяни была скульптура «Голова», проданная на Sotheby’s в ноябре 2014-го за $70,7 млн.

Рекорд картины «Лежащая обнаженная» можно считать феноменальным еще и потому, что ни одна живописная работа художника никогда и близко не подходила к подобным цифрам: ранее только восемь его картин перешагнули аукционную планку в $30 млн. С 2010 года ценовой рейтинг живописи Модильяни возглавляла «Обнаженная, сидящая на диване», проданная за $68,96 млн с учетом комиссии аукционного дома Sotheby’s. Теперь же Модильяни уверенно вступил в «клуб» художников, чьи работы продаются дороже $100 млн, где компанию ему составляют Пабло Пикассо, Френсис Бэкон, Альберто Джакометти, Эдвард Мунк и Энди Уорхол.

Картина «Лежащая обнаженная» так же, как и предыдущая рекордсменка — «Обнаженная, сидящая на диване», была куплена напрямую у художника его другом — парижским коллекционером и маршаном Леопольдом Зборовски (Leopold Zboroswki).

Если верить Christie's, то «Лежащая обнаженная» была в числе нескольких написанных для Зборовски ню, которые вызвали скандал на первой и единственной выставке Модильяни в галерее Берты Вайль в Париже в 1917 году. Зборовски для привлечения посетителей решил выставить несколько ню в витрине галереи («Лежащую обнаженную» в том числе). У витрины тут же столпились прохожие. На беду, визави галереи оказался полицейский участок. Служители порядка заинтересовались толпой, собравшейся на другой стороне улицы, и вызвали хозяйку галереи в участок. По словам Берты Вайль, комиссар под смешки обретавшихся в участке «бедных бесов» приказал её «немедленно снять всю эту дрянь». Что и пришлось исполнить. Выставка закрылась, не успев толком открыться, а гости, пришедшие на вернисаж, помогали снимать картины с экспозиции.

«Лежащую обнаженную» часто публиковали в каталогах и монографиях о Модильяни, она принимала участие в выставках в Центре изобразительных искусств (Брюссель), в музее Стеделийк (Амстердам), в Государственном музее современного искусства (Париж), в Тейт и Королевской Академии художеств (обе галереи — Лондон), в МоМА (Нью-Йорк) и Королевском дворце в Милане.

Работа входила в собрание Джанни Маттиоли (Gianni Mattioli), одного из ведущих итальянских коллекционеров, и на торги Christie's картину выставила его дочь, искусствовед Лаура Маттиоли Росси (Laura Mattioli Rossi).

На торгах 9 ноября за «Лежащую обнаженную» торговались не менее шести претендентов в течение 9 минут. Победителем стал покупатель, делавший ставки по телефону. Через некоторое время стало известно, что работу купил китайский миллиардер Лю Ицянь (Liu Yiqian). Новый владелец сообщил, что планирует перевезти ее в Шанхай, где вместе с супругой Ван Вэй (Wang Wei) он открыл два частных музея. В мире Лю Ицянь известен как «магнат-таксист». Подростком в тревожные годы «культурной революции» Лю Ицянь, и правда, крутил баранку на улицах Шанхая. В 1980–90-х он заработал себе состояние, играя на бирже недвижимости и фармацевтики. В 2015 году состояние Лю Ицяня оценивалось в $1,5 млрд.

4. $144 млн. Ци Байши. Двенадцать пейзажей. 1925

17 декабря 2017 года на пекинском аукционе Poly International был установлен абсолютный рекорд аукционных продаж китайской живописи. Серия рисунков тушью китайского художника Ци Байши (1864–1957) под названием «Двенадцать пейзажей», датируемая 1925 годом, ушла с молотка за 931,5 млн юаней, или $144 млн.

Ци Байши — мастер национальной китайской живописи Гохуа — родился в 1864 (по другой версии — в 1860) году в бедной крестьянской семье. Хотя Ци Байши с детства проявлял интерес к творчеству, до сорока лет основным источником его заработка служило плотницкое дело. Но и здесь его художественные способности нашли себе применение: он вырезал из дерева фигурки животных, табакерки, ксилографические лубочные картинки. И при этом не бросал занятия живописью и каллиграфией. Лишь на исходе шестого десятка Ци Байши перебрался в Пекин и полностью посвятил себя живописи. На склоне лет Ци Байши, так и не получивший профессионального художественного образования, достиг, тем не менее, признания на национальном уровне: в 1953 году Министерство культуры КНР присвоило ему титул «Великого художника китайского народа». Умер Ци Байши в 1957 году в возрасте 93 лет.

Сегодня всенародная любовь китайцев к своему «великому художнику» выражается и в денежном эквиваленте. Уже много лет подряд Ци Байши входит в число самых дорогостоящих китайских художников — как по общему аукционному обороту, так и по цене отдельных произведений. К примеру, в мае 2011 года одна из его работ — «Долгая жизнь, спокойный мир» («Орел на сосне») написанная в 1946 году для Чан Кайши, — была продана за 425,5 млн юаней ($65 млн). А в 2016 году Ци Байши был на третьем месте по аукционному обороту в мире после своего земляка Чжан Дацяна и Пабло Пикассо. Теперь Ци Байши стал первым китайским художником, перешагнувшим аукционную планку в $100 млн.

«Двенадцать пейзажей» Ци Байши в голубых, серых, коричневых и розовых тонах изображают китайские горы, деревни и деревья в цвету. Размер каждой из 12 работ внушителен — 1,8 метра в высоту и почти полметра в ширину. Живопись художника вполне традиционна, что, по-видимому, устраивает китайских коллекционеров-миллионеров. Кто именно приобрел «Двенадцать пейзажей» за рекордную сумму, аукционный дом не разглашает.

5. $142,4 млн. Френсис Бэкон. Три эскиза с Лусиеном Фрейдом. 1969

На торгах послевоенного и современного искусства Christie’s 12 ноября 2013 года триптих Френсиса Бэкона «Три эскиза с Лусиеном Фрейдом» был продан за о еломляющую сумму — $142,4 млн. Такая высокая цена — рекордная для художника и для всего арт-рынка — была скорее неожиданной, чем закономерной. До торгов триптих оценивался от $85 млн (точный эстимейт предоставлялся по запросу). Предыдущий рекорд для работ Бэкона, державшийся с 2008 года, был как раз около $85 млн, а если точнее, то составлял $86,281 млн. Столько на торгах Sotheby's в Нью-Йорке 14 мая 2008 года заплатил за «Триптих» 1976 года Роман Абрамович.

Чтобы выйти на уровень цен времен арт-бума, да еще и превзойти его, аукционному дому необходимо было заполучить действительно выдающееся произведение. Триптих «Три эскиза с Лусиеном Фрейдом» 1969 года этому определению вполне соответствует.

Во-первых, одним этим триптихом вы приобщаетесь к двум мэтрам послевоенного искусства одновременно: Бэкону позировал не менее известный его коллега Лусиен Фрейд. Фрейд и Бэкон познакомились в 1945 году и дружили на протяжении десятков лет, не раз писали друг друга, но и соперничали в профессиональном плане. «Три эскиза с Лусиеном Фрейдом» создавались в стенах лондонского Королевского колледжа искусств (собственная мастерская Бэкона в то время пострадала от пожара).

Во-вторых, это один из двух существующих триптихов Бэкона, на которых модель изображена в полный рост. Второй такой триптих, 1966 года, в последний раз экспонировался на выставке в 1992 году, однако неизвестно, где он находится сейчас.

В-третьих, у триптиха уж очень жизнерадостный фон — солнечно-желтый. Такой позитив для мрачно-сюрреалистичного творчества Бэкона, откровенно говоря, не типичен. Какой-то зарубежный аналитик после рекордной продажи даже назвал этот цвет «цветом золота, магнетически действующим на коллекционеров».

Френсис Бэкон считал этот триптих одной из лучших своих работ; он был одним из важнейших экспонатов на знаменательной ретроспективе художника в Гран-Пале в 1971–1972 годах. Позже, в середине 1970-х, части триптиха были разъединены почти на 15 лет. Одна из них выставлялась самостоятельно на выставке в «Тейт» в 1985 году. Бэкон крайне отрицательно отнесся к этому разделению; под фотографией отъединенной левой части триптиха он написал: «фрагмент триптиха… и я полагаю, что он теряет смысл, пока не будет воссоединен с двумя другими фрагментами». Части вновь были собраны вместе в 1999 году, на выставке в американском Нью-Хэвене (штат Коннектикут). И вот теперь все три ростовых портрета Лусиена Фрейда достались новому покупателю за $142,4 млн. Говорят, что триптих был куплен Уильямом Аквавеллой, возможно, в интересах клиента.

6. $141,3 млн. Альберто Джакометти. Указывающий человек. 1947

Альберто Джакометти — самый высоко оцениваемый (в буквальном смысле) классик мировой скульптуры. Его иссохшие, почти бесплотные фигуры, символизирующие отчужденность и одиночество человека в современном мире, неизменно достигают высоких цен на аукционных торгах. Некоторое время Джакометти даже обгонял всех живописцев вместе взятых: 3 февраля 2010 года скульптура «Идущий человек I» была продана за ?65 млн ($104,3 млн). Это, кстати, был первый в мире аукционный лот, преодолевший порог в $100 млн.

Более пяти лет спустя скульптура «Указывающий человек» (1947) достигла новых аукционных высот: результат (с учетом комиссии) составил $141,3 млн. Это рекорд не только для Джакометти, но и для всего рынка скульптуры.

Скульптура «Указывающий человек» была задумана и исполнена Джакометти в 1947 году всего за одну ночь. Как рассказал скульптор своему биографу, через несколько месяцев в Нью-Йорке должна была открыться его первая за 15 лет творческой деятельности персональная выставка. Сроки поджимали, и в одну октябрьскую ночь он вылепил первую гипсовую модель. С нее было сделано шесть отливок и один авторский экземпляр. На последовавшей в январе 1948 года выставке «Указывающий человек» занял центральное место в экспозиции рядом с «Идущим человеком» и «Стоящей женщиной». Выставка произвела фурор, Джакометти вмиг стал звездой нью-йоркской послевоенной арт-сцены.

Сегодня скульптура «Указывающий человек» есть в коллекциях МоМА, Тейт Модерн и еще двух музеев. Оставшиеся три экземпляра хранятся в частных коллекциях и собраниях различных фондов. Тот экземпляр, что был выставлен на торги, предположительно, единственный, что был раскрашен вручную самим Джакометти. В 1953-м он был куплен в галерее Пьера Матисса известными коллекционерами Фредом и Флоренс Олсен. С 1970 года скульптура принадлежала одной частной коллекции, из которой и была впервые в истории выставлена на торги. Как рассказали организаторы аукциона, они предлагали владельцу гарантию, однако он отказался, сказав, что если вещь останется непроданной, то он оставит ее себе. «Он, возможно, немного расстроился, что ее действительно купили», — прокомментировал представитель Christie’s.

Джакометти был одним из самых волнующих художников XX столетия. Человек у Джакометти предоставлен самому себе, он не нужен никому, у него нет опоры на бога, и у него человек не ищет защиты. Джакометти — великий гуманист: его творчество говорит нам, что человек может надеяться только на человека, что он в полной мере ответственен за себя и других. У фигур Джакометти тонкие, нервные лица, живой взгляд и большие ступни: несмотря на все потрясения, они крепко стоят на земле.

7. $119,9 млн. Эдвард Мунк. Крик. 1895

2 мая 2012 года работа Эдварда Мунка «Крик» на торгах Sotheby’s была куплена за $119 922 500. С таким результатом пастель 1895 года обошла работу самого Пабло Пикассо «Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев» (которая, к слову, продержалась на вершине рейтинга два года без двух дней).

Картина — одна из четырех существующих версий, написанных на известный сюжет, и единственная находившаяся в частных руках (три остальные хранятся в норвежских музеях). Она уникальна еще и тем, что на раме, сделанной самим художником, красной краской написано его стихотворение: «Мои друзья проследовали дальше, / А я остался позади, / Дрожа от тревоги: / Я ощущал оглушительный Крик Природы. Э. М.».

Работа была выставлена на торги норвежским бизнесменом Петтером Ольсеном (Petter Olsen), сыном друга, соседа и патрона Мунка Томаса Ольсена (Thomas Olsen), приобретшего ее в 1937 году. После торгов бывший владелец рассказал, что для него смысл картины — это встреча со смертью, а также, в контексте сегодняшнего дня, пугающее осознание того урона, который был нанесен человечеством природе.

Прибыль от продажи картины частично пойдет на создание музея в городе Хвитстене (Норвегия), где некогда жили Мунк и Томас Ольсен; в будущем музее разместится собрание Петтера Ольсена, который также занимается реставрацией дома и мастерской Мунка.

Цена картины Мунка — это по всем статьям сверхрекорд. До торгов 1 мая 2012 года самой дорогой пастелью в мире была работа Эдгара Дега (Edgar Degas) «Отдыхающая танцовщица» (ок. 1879), заработавшая $37 млн на нью-йоркских торгах Sotheby’s в ноябре 2008 года. Этот рекорд оставил далеко позади и предыдущий рекорд Мунка, установленный картиной «Вампир» 1894 года, которая принесла $38,1 млн на торгах Sotheby’s в Нью-Йорке в ноябре 2008 года (покупателем выступила галерея Гагосяна).

8. $110,747 млн. Клод Моне. Стога сена. 1890

Если вас попросят назвать самых известных импрессионистов, имя Клода Моне (1840–1926) наверняка прозвучит одним из первых. Картина именно Клода Моне дала название всему этому направлению искусства. В апреле 1874 года, увидев на выставке картину Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (фр. «Impression, soleil levant»), критик Луи Леруа из газеты Le Charivari записал: «Обои, и те смотрелись бы более законченно, чем это “Впечатление!”». Его мнение разделило большинство критиков того времени — «Впечатление» («Impression») Моне стало негативным нарицательным названием для всего этого непонятного стиля, в котором картины напоминали скорее небрежные, неоконченные эскизы, нежели завершенные произведения.

Но Моне и его друзья-импрессионисты не обращали внимания на критику и продолжали писать свои картины-«впечатления», в которых мимолетное состояние природы, воздуха, облаков на небе и солнечных бликов было важнее выписанности деталей. Семья Моне (а женился художник на своей натурщице Камилле Донсьё, чему родители Клода были не рады) долгие годы жила в нищете: часто денег не хватало не то что на краску, но даже на хлеб. Рискуя остаться без крова из-за долгов за аренду, Моне приходилось регулярно просить в долг у друзей — писателя Эмиля Золя, Эдуара Мане и др. Очень помогло знакомство с маршаном Полем Дюран-Рюэлем, благодаря которому, по воспоминаниям Моне, он и многие его друзья в ту пору не умерли с голоду.

Признания Клод Моне добился лишь после сорока, а прожил он долгую, длиною в 86 лет, жизнь, успев пережить обеих своих супруг (Камилла умерла от туберкулеза, и спустя 13 лет художник женился на Алисе Ошеде) и старшего сына Жана. На склоне лет Моне начал стремительно терять зрение из-за катаракты, но все равно продолжал писать пейзажи вокруг своего дома в Живерни — сад, знаменитый ныне пруд с мостиком и кувшинками. В 72 года его левый глаз видел лишь на 10 % от нормы, а правый был способен различать только свет. В 83 он решился на операцию, в результате которой его правый глаз стал видеть все в сине-фиолетовом цвете. Не в силах видеть мир таким, Моне продолжил работать скорее по памяти. И именно в последние годы жизни практически слепой Моне создал то, что позже назовут Сикстинской капеллой импрессионизма — восемь огромных панно «Кувшинки», хранящихся ныне в овальном зале Музея Оранжери.

Много воды утекло со времен тех первых выставок импрессионистов, на которые публика приходила скорее позлорадствовать, чем полюбоваться. Сегодня импрессионизм стал одним из самых популярных у широкой публики стилей. Ретроспективу того же Моне в парижском Гран Пале в 2011 году посетило 920 тыс. человек. Любители искусства готовы были по три часа выстаивать в очереди на морозе, чтобы посмотреть на две сотни картин Моне. А в последние три дня работы выставки музей держали открытым круглосуточно, и через залы его прошли 40 тыс. посетителей. Более свежий пример — выставка работ из коллекции Сергея Щукина в Фонде Louis Vuitton, ставшая самой посещаемой выставкой 2017 года. Выставку (время работы которой пришлось увеличить на две недели в связи с её феноменальной популярностью) посетило суммарно свыше 1,2 млн человек.

Если говорить о деньгах, которыми измеряется любовь к импрессионизму у тех, кто может себе это позволить, то ответ прост: большими. Об аукционных рекордах Клода Моне вкратце можно рассказать так: «Кувшинки – стога – снова кувшинки – опять стога». А если чуть более развернуто, то в 2008 году, на пике арт-рынка, за позднюю (1919 года) работу Моне «Пруд с кувшинками» заплатили $80,55 млн. В 2016 году этот рекорд перебила продажа полотна «Стог сена» (1890–1891) за $81,45 млн с учетом Buyer’s Premium. В мае 2018 года на торгах Christie’s полотно «Кувшинки в цвету», написанное около 1914–1917 годов в Живерни, было продано за $84,687 млн.

Наконец, текущая рекордная планка — $110,747 млн за работу «Стога сена» (Meules) 1890 года. Продажа произошла на торгах импрессионистов и модернистов Sotheby’s 14 мая 2019 года. Это одна из лучших работ в знаменитой серии пейзажей Моне со стогами сена и одна из 8 работ серии, до сих пор находящихся в частных руках. Остальные 17 картин со стогами разошлись по мировых музеям, таким как Метрополитен, Орсэ, Институт искусств Чикаго и ГМИИ имени А. С. Пушкина.

Топ-лот вечерних торгов Sotheby’s выставлялся с блестящим провенансом: его напрямую купила у дилера Моне Поля Дюран-Рюэля в 1892 году Берта Оноре Палмер, супруга чикагского миллионера Поттера Палмера. В коллекции Палмеров, по некоторым данным, было до 80 работ Клода Моне, причем Берта Оноре особое предпочтение отдавала именно сериям: в свое время она приобрела восемь работ со стогами, четыре пейзажа с тополями, три вида Руанского собора и три пейзажа утренней Сены. Какие-то работы Берта Палмер впоследствии перепродавала, однако «Стога сена», установившие рекорд на Sotheby’s, оставались в её коллекции вплоть до её смерти, а после перешли в собрание её сына. Работа Моне принадлежала коллекции Палмеров вплоть до 14 мая 1986 года: в этот день она впервые попала на аукцион и была продана за $2,53 млн.

Ровно 33 года спустя, 14 мая 2019 года, в борьбе шестерых претендентов цена картины «Стога сена» выросла до ошеломительных $97 млн., а с учетом комиссии аукционного дома — до $110,747 млн. Это в 44 раза больше предыдущей цены продажи.

9. $110,5 млн. Жан-Мишель Баския. Без названия. 1982

18 мая 2017 года рейтинг самых дорогих работ, когда-либо проданных на открытых торгах, пополнился произведением Жана-Мишеля Баскии. На торгах современного искусства Sotheby’s работа «Без названия», написанная масляной пастелью, акрилом и аэрозольными баллончиками на холсте, была продана за $110,5 млн. Покупателем стал японский миллиардер Юсака Маесава — страстный поклонник современного искусства вообще и Баскии в частности. Предыдущую рекордную покупку Баскии тоже совершил он: в 2016 году другую работу «Без названия» (1982) Маесава приобрел за $57,3 млн. Получается, что 18 мая 2017 рекордная цена на произведение Жана-Мишеля Баскии выросла почти вдвое.

Фирменное баскиевское изображение не то маски, не то черепа побило сразу несколько рекордов. Во-первых, оно стало самым дорогим произведением художника-американца. Во-вторых, впервые в истории столько заплатили за работу чернокожего художника. И в-третьих, картина «Без названия» (1982) побила рекорд цены среди произведений, созданных после 1980 года. Не говоря уже о том, что с этой продажей Жан-Мишель Баския вошел в своеобразный клуб художников, чьи работы продаются дороже 100 миллионов долларов. Если бы Баския дожил до этого дня, ему бы было 57, но, увы, губительная доза героина распорядилась иначе: художник ушел из жизни в роковые для многих легендарных американцев 27 лет (как Хендрикс, Джоплин или Моррисон).

А начиналось все на улицах Нью-Йорка, куда 17-летний Жан-Мишель сбежал от отца и мачехи (первая неудачная попытка побега случилась еще в 15 лет). Мать Жана-Мишеля попала в психиатрическую лечебницу, когда мальчику было 13 лет, и провела в клиниках для душевнобольных большую часть своей жизни. Отцу до сына дела не было. Однако не стоит рисовать в воображении полное невзгод и унижений детство будущего художника. Рос он с двумя сестрами во вполне обеспеченной семье (отец был преуспевающим экономистом). Образование Жан-Мишель получил хорошее, в детстве много читал, увлекался историей, поэзией и, конечно, искусством. Даже имел членство в совете Бруклинского музея. Благодаря папе-гаитянцу и маме-пуэрториканке, Жан-Мишель свободно говорил на французском, испанском и английском. Жан-Мишель не был «парнем с улицы» по рождению, но стал им по своему собственному выбору. Именно улицы Нью-Йорка пробудили его художественный талант, сформировали неповторимый стиль Баскии, основанный на его интеллектуальном багаже и бунтарской энергии уличных граффити. При всей внешней примитивности и «первобытности» работы Баскии глубоко концептуальны, полны отсылок к литературному и художественному наследию прошлого.

Категория статей

Рейтинги

8-800-123-45-67

Категория статей